Профессионализм - это приручённое вдохновение.

marina.lysyanaya

gretta1910@gmail.com

+38 (067) 053-63-63

БлогО себеАРТВеб-дизайн
top

Подписаться на рассылку

(все статьи)

Подписаться на рассылку

Рисовать не надо уметь. Публикация в журнале "Жить интересно"


Рисовать не надо уметь. Публикация в журнале

Ссылка на мою статью в журнале "Жить интересно"
Ужасно горжусь ))


Я преподают живопись студентам, детям, взрослым и вообще всем желающим. Могу зарядить курс на год с углубленным изучением рисунка и перспективы, а могу преподать маленький курсик на тему рисования чего-то конкретного, например цветов или пейзажа. Знали бы мои профессора, чем я занимаюсь, возмущению не было бы предела. Даже не возмущению, а тихому молчаливому презрению. Как так можно? Что значит "курсик по рисованию пейзажа"? Ведь можно только так как мы вас учили, как учили нас и никак иначе. Сначала кубик, потом шар, потом натюрморт из простых предметов, части лица, голова и только потом фигура. Живописи одного только натюрморта нужно уделить не менее года, чтобы потом перейти к пейзажам. Акварелью тоже нужно заниматься не менее года, чтобы перейти к маслу. Так учит нас старая школа отработанная годами, десятилетиями, если не столетиями. Да, до конца доходят не все, многие заканчивают институт и никогда больше не берутся за кисть. Ну так что же? Не всем дано. Тем более что сейчас все новые веяния: дизайн, веб-дизайн, все туда идут. Не ценят. Забывается старая школа. Обидно, когда талантливый человек и не художник. Но рынок диктует своё, ничего не поделать, жизнь такая.

Рынок диктует своё. Эта фраза из уст наших профессоров звучала так безнадёжно, как приговор. Но действительно ли это так плохо? Рынок – это люди. Их что-то цепляет, а что-то перестаёт быть актуальным. Может быть, стоит прислушаться и услышать, что же на самом деле он диктует? Может быть, иногда, нужно обнулить настройки, перевернуть песочные часы и узреть клад под вековыми дюнами?

Высокий уровень харьковской школы живописи и сегодня не вызывает у меня ни малейших сомнений. Но что если попробовать оттолкнуться не от старых традиций, а от жажды человеческой души.

Я стала задумываться об этом, когда начала преподавать детям. Своих студентов я тоже называю детьми. Сколько там той разницы? Но всё-таки она есть. И разница эта не только в возрасте, но и в системе, которая предлагает детям одно, а студентам – другое.

Ниже привожу основные отличия.

1
С желанием ребёнка рисовать нужно обращаться как с хрупким предметом. Причём, чем сильнее желание, тем бережней нужно его нести. Не вести ребенка за собой, а ходить за ним. Это не значит, что учитель должен идти на поводу у ребёнка, но он должен быть хвостом корабля, а не носом. Его задача заключается в том, чтобы ребенок удивлялся тому, что он может сделать, а не с пиететом смотрел на недосягаемого учителя, осознавая дистанцию, отделяющего их друг от друга. Ребёнку не нужны звезды с неба, он сам хочет быть звездочкой.

Студенту, академическая школа предлагает именно ведение за собой, по-другому и быть не может, ведь она сообщает накопленный опыт в сжатые сроки, чтобы человеку не приходилось изобретать велосипед. Ни профессор, ни студент, не хотят ждать пока оно само дойдёт. Так же как в школе учат формулы, открытые 40-летними учёными, так же и тут, студенту сообщают знание, открытое маститыми художниками.

2
Дети занимаются рисованием как хобби. Они сами попросили родителей привести их в кружок рисования. Но если им что-то не понравится, учитель или коллектив, то они так же просто расхотят туда ходить.

Студент выбрал рисование как профессию. Он "попал" на ближайшие 5 лет. Он никуда от вас не денется пока его, не дай Бог, не выгоняет за неуспеваемость. Его можно прессовать двойками, угрозами пересдачи и отчисления. Выбрав институт, учителей он уже не выбирает. Хорошо если повезёт, но так бывает не всегда. То есть вся ответственность за результат учёбы в институте лежит только на нем.
Поэтому...

3
С детьми нянчатся не только из любви к детям, но и потому, что дети ежедневно сами принимают решение рисовать или не рисовать. Их не заставишь. Чаще бывает наоборот. Родитель видит, что его ребёнок далёк от Микеланджело и опускает руки, не хочет возиться с «безнадёжным», и даже коммерческая сторона вопроса не способна его мотивировать. Ведь в искусстве, как в спорте: либо ты олимпийский чемпион, либо учитель физкультуры в школе. Либо ты Хёрст, Ротко или Бенкси, либо школьный учитель рисования. Золотая середина в нашем деле не очевидна. Можно, конечно, заниматься росписями храмов, ресторанов и общественных зданий, иллюстрацией, графикой и портретами, но все эти искусства постепенно отписываются веку минувшему, им на смену приходят высоки технологии, автоматически выдающие весьма достойные результаты, а значит не стоит и вкладываться в ремесло, которое стоит на грани вымирания.

Студент может изменить это решение только с ущербом для себя. Он может бунтовать, но ценой остаться без высшего образования.

- Может быть это правильно - скажет кто-то? Институт - это путевка во взрослую жизнь. Да ответственность, да стресс, но ведь в жизни все так. Взрослым быть еще труднее. Потом будет семья, дети, ответственность придётся брать не только за себя, но и за них.

Да, все так. Но до каких пор мы будем отождествлять опыт с количеством синяков? Не затем ли человечество эволюционировало, чтобы нашим детям не пришлось изобретать колесо? Может быть поэтому, человек, став взрослым так боится признать, что он чего-то не знает, не умеет. Как часто, когда нужно нарисовать что нибудь простое, схему проезда или фасон платья, человек, первым делом начинает оправдываться, дескать, я не художник, последний раз рисовал в школе и оценки у меня были не очень. Почему-то, когда мы считаем сдачу в магазине, то не переживаем за то, что мы не математики. И школьные оценки не дают право продавцу обсчитать нас. Когда учим уроки с детьми, не говорим – я не учитель. Когда готовим еду, не говорим – я не повар. Почему же так страшно рисовать?

Потому что рисование – это всегда личное. Ошибиться в математическом примере тоже неприятно, но рисование – это всегда автопортрет. Человек понимает, что нарисованное им дерево его собственное, он сам это дерево, и несовершенство его пугает. Главным показателем профессионализма педагога, в данном случае, должна быть эмпатия, а в традиционной системе образования ставка делается на дисциплину. Она, безусловно, важна, но надо  правильно расставлять приоритеты. Дисциплина не должна быть самоцелью, она может быть полезной в достижении результата, но если можно заменить её личной мотивацией, то нужно срочно это делать. Не существует жёстких требований «как надо рисовать». Рынок не жалует вниманием Шишкина, Айвазовского и сюжетные картины вроде «Бурлаки на Волге» или «Сватовство майора», написанные тем способом, которому нас учат в институтах. Современный художник выражается не в технике, хотя владение ею только сделает вам честь, но она вторична. Куда важнее смотреть на мир так, как будто живёшь однажды, видеть в нём парадоксы и делиться впечатлениями. Не обязательно ограничивать себя плоскостью бумаги, можно выходить за рамки, делать декупажи, аппликации, оригами, скульптуру, рисовать мультики, устраивать акции, писать сценарии, в конце концов. И всё тоже самое можно делать на холсте. Рисование – это не штрихование – это жизнь в отдельно взятой двухмерной плоскости.

Чтобы стать художником НЕ обязательно:

1)     рисовать кувшин;

2)      с раннего детства ходить в художественную студию;

3)      заканчивать художественный институт;

4)      родиться в семье художников;

5)      рисовать каждый день и ни дня без строчки;

6)      быть странным;

7)      пить, курить, питаться кофе, не спать по ночам и вести богемный образ жизни;

Чтобы стать художником ВАЖНО:

1)     не бойтесь! Просто начните;

2)     интересуйтесь творчеством и биографиями успешных художников, но не сравнивайте себя с ними;

3)     знайте, что рисовать умеют все, кто имеет желание;

4)     ничего не происходит по взмаху волшебной палочки и талант нужно взращивать, как росток, который не за один день превращается в могучее дерево;

5)     даже росток прекрасен;

6)     не ставьте себя в зависимость от мнения зевак. Они ещё даже не попробовали;

7)     рисуйте ради себя, а не ради мнения;

8)     учитесь, берите мастер-классы, экспериментируйте, фиксируйте приобретённый опыт и не останавливайтесь на достигнутом.

Как выбрать учителя?
Помню ироничное утверждение наших профессоров: «Вкус нужно прививать насильственно». Я и сейчас готова с ним согласиться. А знаете почему? Потому что плохое всегда легче выбрать. Оно всегда под рукой. Легче написать или нарисовать что-то вульгарное и примитивное, чем что-то со вкусом. Скульптор должен отсечь от мраморной глыбы всё лишнее, чтобы «достать» оттуда скульптуру. Перед нами же, белый лист и художнику нужно себя ограничить, чтобы не сделать лишнего. Бумага не всё стерпит. Нужно определиться с рисунком и композицией, расставить смысловые приоритеты, определить камертоны светов, теней и цветовой палитры, и только после этого приступать к работе. Только в процессе постигания ремесла можно обнаружить талант. Это как в музыке: никто не узнает есть ли у тебя музыкальный слух, если ты не поёшь и не играешь.

Искусство учителя состоит в том, чтобы преподнести материал таким образом, чтобы легче было выбрать хорошее. И как же я ликую, когда мои ученицы просят своих родителей, Деда мороза и св. Николая дарить им краски на День рожденья, на Новый год и на Рождество. Признаюсь даже, что о некоторых новых художественных материалах я узнаю от своих студентов. Но я не боюсь сказать, что я чего-то не знаю. Мы все чего-то не знаем, затем мы и нужны друг другу.

Прошли те времена, когда учитель = авторитет, а ученик = последователь. Эффективное обучение возможно только во взаимодействии. Я постоянно видоизменяю курс, прислушиваюсь к своим студентам и формирую продолжение курса, принимая во внимание их отзывы. Это не значит, идти на поводу и удовлетворять капризы - это значит, давать те знания, которые дадут плоды. Не всегда плодами является победа на живописном конкурсе, иногда это необходимая релаксация, поиски ответов не только живописных, но и психологических.

Вот отзывы некоторых моих учеников:

***
Если я не уверена, что сделаю что-то отлично, я не делаю это вовсе. Я знаю, что рисовать не умею уже заранее, но что рисунок никто не увидит, никто не осудит и прочее, а значит, я могу отбросить все свои страхи и комплексы, и сделать как получится – это как будто освобождает меня.

***
Когда я рисую – это единственное время, когда я не думаю ни о чём, кроме процесса. Голова отдыхает от больных мыслей, как будто выздоравливаешь.

***
Процесс раскрашивания как будто вводит в транс и ты, сфокусировавшись на какой-то пришедшей в голову мысли, сама того не осознавая, находишь ответ либо начинаешь по-другому на что-то смотреть. Можно параллельно слушать какую-то лекцию, хорошо воспринимается и запоминается услышанное.

«Процесс раскрашивания» - каким презренным он считался в наших профессиональных кругах. В детской студии не поощрялись разукрашки, потому что это не творчество. В институте, на станковой живописи, «раскрашивание» было ругательным словом, ведь нужно, чтобы читалась форма, было внимание к освещению, глубокие тени, сияющие блики и звенящие рефлексы. Декоративный (плоский) подход считался лубочным и низкопробным. Может быть, с точки зрения реалистической живописи, так оно и есть. Отчасти, я даже согласна с тем, что детям лучше рисовать от себя, чем копировать мультипликационных героев, но нельзя же мерить всё одной мерой.

Это пример академической живописи.

Рисовать не надо уметь. Публикация в журнале

Бумага, акварель 40/50

А это более декоративный подход.

Рисовать не надо уметь. Публикация в журнале

Это пастель, но можно то же самое выполнить и акварелью, и маслом.

Может быть, натюрморт с чайником более правильный, но в этой работе больше настроения.

Человек, любящий разукрашивать, талантливо и усидчиво выполнит перегородчатую эмаль, финифть, аппликацию, декупаж и декоративную роспись. Художников примитивистов и мастеров народных помыслов тоже можно уличить в страсти к разукрашиванию. Человеку, любящему плоские изображения легче развить в себе графика чем живописца. Ну и что в этом плохого? И это я перечислила только профессиональные выходы данного стиля. А где же психологические – спросите вы? А вот!

Декоративный подход действительно проще реалистичного. Он не может не получиться. Изобилие народных промыслов всех народов доказывает, что для него не нужно специальное образования. Это медитация. Ты настраиваешься на определённый ритм и планомерно рисуешь орнамент. Иногда, очень важно бывает сделать что-то такое, что на 100% получится, когда ты сам о себе можешь сказать: «Я это могу!», «Я умею!».

В жизни нам, порой, приходится сталкиваться с проигрышными ситуациями, которые заставляют нас фиксировать поражения. Бывают периоды, когда поражения следуют одно за другим, воспитывая в нас комплекс неудачника. Какое-то время мы им сопротивляемся, потом стараемся смириться и умерить ожидания, потом и вовсе учимся предполагать худшее, ошибочно полагая, что таким образом защитим себя от разочарований. И хорошо если получится умерить ожидания от жизни, плохо, когда мы снижаем планку ожиданий от себя и говорим: «У меня всё равно не получится. Не стоит и браться.» Вот тут и приходит к нам на помощь искусство маленьких шагов: нарисовать птичку, цветочек или пейзажик. Ты делаешь это впервые в жизни, ты ещё не придумал себе уровень соответствия и планку ниже которой не опускаются, а значит, результат превзойдет ожидания. Это не будет иметь никакого отношения к твоему бизнесу или проблемам с окружающими. Творчество – это твоё автономное пространство, твоя альтернативная реальность, из которой ты выходишь с новым дыханием. Один мой наставник говорил: «Сначала ты делаешь картину, а потом картина делает тебя». Это утверждение на 100% верно. И я предлагаю (по)пробовать.

Облака и одуванчики
Я предлагаю поэкспериментировать с акварелью, понять на какие эффекты она способна. Акварель наиболее доступна из профессиональных живописных техник, тем более, что нам, для пробы пера понадобится всего лишь 2 краски, лист акварельной бумаги, кисть для акварели и капля шампуня, разведённая в 100 граммах воды.

Смачиваем водой приклеенный/приколотый к планшету лист акварельной бумаги. Выбираем любой понравившийся нам цвет. Я выберу синий или зелёный. Выкрашиваем его акварелью так, чтобы сверху был более светлый цвет, а к низу он сгущался. Должна получиться растяжка от светлого к тёмному. Используем только один цвет. В светлые оттенки добавляем больше воды, в тёмные – меньше.

Как только мы закончили это делать, берём чистую сухую кисть, или отжимаем от воды ту, которой только что пользовались, макаем её в шампунь и капаем на наш лист. Заметили эффект? Сделайте несколько таких капель. А теперь кое-где, посыпьте солью. Дождитесь, пока бумага высохнет. Смахните соль. Смотрите что получилось. На что это похоже? Это может быть похоже на облака, а может быть похоже на облетающие одуванчики. Если Вы увидели облака, то можете дорисовать в них птичек, тогда и все остальные увидят там облака. Если увидели одуванчики, дорисуйте им стебли и травинки, тогда одуванчики там увидите не только вы. Такого эффекта не добьёшься кистью. Его качество зависит от концентрации шампуня, вы можете это регулировать. Зато теперь вы знаете при помощи какого эффекта можно нарисовать фейерверк, пух, свечение, размытие, мех.

Можете попробовать капнуть на мокрую акварель каплю спирта при помощи пипетки или кисточки. Спирт тоже создаёт свой неповторимый эффект. На что это похоже? Луна? Звезда? Медуза?

Пейзаж с рекой и лесом
Язык акварели – это метафоры. Помните, как это у Бориса Пастернака …

Луга мутило жаром лиловатым,
В лесу клубился кафедральный мрак.
Что оставалось в мире целовать им?
Он весь был их, как воск на пальцах мяк.

Сразу чувствуется палящий зной, стоящий на лугах и прохлада, которая окутывает тебя, когда попадаешь в лес. «В лесу клубился кафедральный мрак» и сразу же, мы представляем себе лучи солнца, пробивающиеся сквозь этот мрак из окон барабана храма под куполом, в них клубится пыль. 

Текли лучи. Текли жуки с отливом,
Стекло стрекоз сновало по щекам.
Был полон лес мерцаньем кропотливым,
Как под щипцами у часовщика.

А ведь можно было бы написать так: «Была страшная жара, солнце жгло луговую траву. В лесу было прохладней, солнце там пробивалось сквозь листву лучами, в которых летала пыль. Всюду стрекотали насекомые». Это вполне правдивое описание, но непонятно зачем оно. В нём нет отношения автора к происходящему. Нет интерпретации. В этом уроке я хочу показать, как метафора может быть применена в живописи. Например, мы говорим: «Стена леса», «Стекло реки» или «Полоса неба». Стена возвышается, стекло блестит, полоса виднеется и именно эти слова и являются ключевыми. Чтобы показать стену леса, не нужно прорисовывать в нём все деревья с ветками и листьями. Чтобы показать блеск стекла, не нужно использовать блестки. Здесь я предложу использовать синие цвета. Пусть это будет голубой и тёмно-синий. Из материалов, кроме необходимых, нам понадобится шампунь и 2 кисти: одна для шампуня, другая для акварели. Их не следует мыть в одной банке. Смачиваем водой верхние 2/3 бумаги. Светло-голубым рисуем вверху полоску неба, затем берём тёмно-синий и густо закрашиваем им более широкую полосу до того места, где мы закончили смачивать бумагу. Это и будет стена леса. Подбираем отжатой от воды кистью капли акварели, чтобы они не засохли и капаем небольшую капельку шампуня на пересечении неба и леса. Это будет солнце которое заходит за эту стену. Ещё пару крошечных капелек мы ставим внутри синей полосы. Это солнце, которое пробивается сквозь гущу леса. Чтобы шампунь не стекал, планшет можно, на время, положить горизонтально. Чистой, отжатой от воды кистью, протираем облака в небе, придаём им силуэт. Тем временем, вода и шампунь немного размыли нам верхушку леса. В этих местах, мы тоненькой кисточкой рисуем верхушки деревьев. Не более трёх или пяти. Пусть это будут ели. В этот момент становиться понятно, что это именно лес, а не просто выкраска, и голубая полоска над ним, ни что иное как небо, а эти размытия – это солнце и облака. Верхушки елей стали тем условным обозначением, которое наполнило смыслом нашу картину. Теперь, светло-синим цветом мы проводим полосу под лесом, а под ней ещё одну, более светлую полосу. На полосе под лесом мы рисуем домик, который превращает полосу в берег, а на нижней полосе рисуем лодку с лодочником, которая превращает полосу в реку. На берегу реки можно нарисовать камыши и их отражения в воде. У лодки тоже есть отражение. Рябь можно изобразить горизонтальными штрихами. Отражения на воде сделают реку блестящей. Вы можете взять большой лист и большой планшет и экспериментировать с отражением, ведь лес и солнце тоже могут отражаться в воде, а технически это всё те же полосы, штрихи и шампунь.

Рисовать не надо уметь. Публикация в журнале

Можно добавлять другие цвета, можно размывать границу леса и неба шампунем. Аккуратность и твёрдость рук придут с опытом.



Подписаться на рассылку

Написать комментарий